Estando la semana pasada en clases de Lenguaje Audiovisual en UBB de Concepción para ECI, la escuela de cine independiente que este año se realiza paralelamente en Chillán y Concepción, hablábamos sobre composición y la importancia de conocer las normas para lograr determinadas emociones, evocar sentimientos y trabajar de buena forma la percepción visual en el espectador. En eso estábamos cuando, a propósito del aire en el plano, la norma de los tercios, el sentido de mirada y otras yerbas, un estudiante me pregunta, «profe, pero qué pasa con, por ejemplo, la película The King’s Speech, porque recuerde de cuando la vi, que prácticamente está todo al revés» … … y pensé, creo que es cierto, pero como suele sucederme porque soy el menos cinéfilo de todos los profesores, conocía los datos, el oscar, el trailer y todo eso que siempre nos llega por Internet, pero no me había dado tiempo de ver la película completa []. Por lo tanto la tarea era sentarme y analizar, cosa que hice el fin de semana aprovechando las miles de películas que pone a mi disposición el videoclub The Oz cada fin de semana en Chillán. Las conclusiones por supuesto van acá abajo, luego del salto.
Composición en «The King’s Speech» la excepción que confirma la regla
Con la facilidad que nos brinda hoy la Internet de acercarnos los contenidos, cargar una película para ver no es nada complicado, sin embargo el material adicional que brindan los discos DVD y Blu-Ray son siempre escasos en la red, por eso cada vez que tengo un disco a mano, más que la película, me interesa consumir ese detrás de cámaras, entrevistas y otros detalles que puedan venir del cual siempre se sacan buenas enseñanzas. Si tiene posibilidad de conseguir el disco completo entonces, no lo deje pasar.
La primera percepción al ver la película es precisamente, la impresión y cierto grado de incomodidad que producen aquellos planos compuesto de manera nada convencional y que en la mayoría del film rompen con el balance, poniendo énfasis en elementos y ambientes más que en los personajes en sí. Tuve la idea que sería sólo al inicio, para potenciar esta deficiencia del habla del protagonista que, claramente le producía grandes complicaciones emocionales, sin embargo a medida que la película avanza, aunque se suaviza un poco, nunca desaparece por completo.
» Ejemplo 1 para el análisis:
La imagen superior nos muestra el plano inicial de la película. ¿Por qué un micrófono fuera de escala? Creo debe entenderse como una metáfora de aquello que, más adelante, sabremos es el principal agente atemorizador del personaje principal. Es frente a los micrófonos donde sufrirá de pánico y frustración.
Tome nota de la angulación en contra picado, agregue a esto la deformación que produce el lente gran angular que el director decidió utilizar en gran parte de la película, deformación que técnicamente llamamos, aberración focal. La combinación de ambas características le otorgan a este micrófono cualidades dominantes, como si nos enfrentara desafiantes rompiendo la proxémica.
» Ejemplo 2 para el análisis:
Otro plano recurrente es aquel en donde el personaje retratado mira hacia el borde de la pantalla. En algunos, podríamos inferir que se trata de una dinámica por reforzar cada tanto lo particular de las situaciones que dan continuidad a la película, donde también tiene mucho que ver la textura elegida y el mayoritario uso de los primeros planos por sobre otros más abiertos de la escala. En otros sin embargo, como el de la imagen que dejo aquí abajo, es más sencillo justificar puesto que el plano predecesor ya nos había mostrado el entorno del lugar y nos dejó muy en claro que acompañaba al «terapeuta» su esposa, la que luego dialoga con él y podemos escuchar su voz fuera de cuadro.
» Ejemplo 3, The King Speech Mentor Scene, para el análisis
La escena de la primera consulta. Para esto dejaré el video. Sin embargo noten acá la importancia que da el director a las texturas en el salón, y al plano/contraplano con aire cambiado, algo que «en la escuela» no haríamos, pero como siempre le digo a los muchachos, si está fundamentado y todo es coherente, juegue con tranquilidad.
Al respecto hay entrevistas disponibles con el propio director Tom Hooper [Los Miserables, 2012], por supuesto en todas ellas el tema de la composición es recurrente y no tarda en explicar que, precisamente conociendo las normas de composición, decidió romperlas muy conscientemente. Vea:
Si nos fijamos en las películas clásicas de Hollywood, que tienden a tomar primeros planos con lentes muy largos y dejan así el fondo fuera de foco. Ya sabes, es sólo un ruido de fondo. Así que decidí desde el principio que yo consideraría hacer los primeros planos con las lentes más amplias, para que se viera todo. Lo que produce es que, incluso en un primer plano, trabaja la dirección de arte y el lugar establecido en el encuadre. Y el rostro aún se mantiene en comunicación con el espacio, que creo que es más cinematográfico.
Había una película francesa que vi hace años llamada «Man Against the World» donde se daban estos maravillosos y sencillos encuadres de primeros planos contra fondos de escritorio en la habitación, y era increíblemente poderosa. Creo que Wong-kar Wai en 2046, hace composiciones simples para la gente. Es una película futurista, pero puede matar a alguien en mitad de un plano en un pasillo, y la textura es la que siempre me fascina. Se siente muy cinematográfico.
Más que eso, también me puse a pensar, «¿Cuál es la analogía visual? Y pensé, es tartamudo. ¿Cómo puedo encontrar una manera de filmar a Colin y que destaque su aflicción?» Empecé a pensar que si eres tartamudo, tratas de habitar en el silencio, el vacío, y la nada. Por lo tanto, ¿hay una manera visual de hablar de eso? Así que quería poner el rostro de Colin en estos primeros planos en relación constante con el espacio negativo. Para ello usamos estas grandes paredes vacías en la sala de consulta en el apartamento de Logue y encuadré a Colin contra ellas. A veces, él es pequeño en la esquina con la pared por encima y lo abruma. A veces, sólo hay un montón de espacio para encima de su cabeza.
Me gusta como la idea convencional de poner aire tras los personajes, se arruina en la conversación y la comunicación en la sala de terapia. Entonces, si nos fijamos en lo que estoy haciendo en el lado de Geoffrey, Geoffrey está en contra de la dirección en la sala de terapia… esto para que se aprecie que es una especie de habitación con una chimenea. Es para apreciar sus fotografías, la pared y los papeles. Es doméstico y acogedor. Generamos un tipo de división con el lenguaje de estos planos cerrados, entre estos dos hombres y los distintos mundos de donde provienen».
» Otros | Uso del gran angular
Como explica el director anteriormente, se propuso utilizar lentes muy abiertos para realizar sus planos y romper así con la convencionalidad de Hollywood y, algunos ejemplos de estos planos durante la película, los agrego en fotografías.
¿Viste la película? ¿Te pareció rara la composición?
Pues ahora ya sabes por qué y también la importancia de manejar la teoría de forma acabada, si quieres romper con ella, tendrás que saber cómo.
Como siempre te agradezco que puedas compartir con tus amigos en redes sociales, así podemos seguir escribiendo 😀
2 comentarios
Increíble, desde el momento de ver esta película que me llamo mucho la atención el tipo de encuadre, sobre todo porque contrasta de cierta forma con lo que te enseñan en la escuela.
Muy interesante, me encontrarlo encontrar más material de este tipo.
¿Saben donde encontrarlo , alguna recomendación?
Gracias por compartir este interesante artículo.